VERA MANTERO: "Algo misterioso..*" + "Lo que podemos decir de Pierre" / FANTASÍAS VERBALES Y DEL GESTO / Referencias-> Maya Deren,Luc Besson,Deleuze

Un año más, llega a Madrid ese escaparate de las propuestas más innovadoras y menos convencionales del panorama europeo de artes escénicas: el FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA, en su 11ª Edición, evento al que espero que no le quiten nunca la subvención, dadas las escabechinas a las que la cultura se ve sometida por las políticas culturales... Oportunidad de ver algunos de los nombres que despuntan o ya despuntaron y que en otro contexto no resultaría nada fácil ver en cartel por aquí. Entre ellos Vera Mantero, conocida coreógrafa de ese país vecino que es mi joya predilecta, Portugal, ofrecía el pasado fin de semana un díptico formado de dos solos: "Algo misterioso, dijo e.e.cumings*", de 1996 (del que debe llevar una eternidad de bolos) + "Lo que podemos decir de Pierre", en estreno, y, creo entender, por encargo del festival. Actuación que tenía lugar en la Casa Encendida -con un pequeño programa en continuidad siempre interesante y con los precios más asequibles del festival- y que, como es habitual en ella, dejaba buen sabor de boca.

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“El espíritu del que hablo no desea abolir su cuerpo, no siente vergüenza ni de su deseo ni de su sexo, lo que este espíritu quiere es erradicar la rudeza, la terrorífica estupidez, la ignorancia, la pobreza de horizontes, el materialismo, etc, etc”.

(Vera Mantero)
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Vera M. es uno de esos nombres muy interesantes, con un lenguaje propio, dentro de ese campo de cultivo que es la danza contemporánea, en su caso más cercana a la actuación, a la performance, todo ello fruto de una máxima: la apertura y libertad de explorar nuevos elementos -los que en este post pretendo intuir y recopilar-. Aquí aun no muy conocida, en Portugal respetada y adorada a partes iguales por actores e intérpretes, por su capacidad empática con el gesto y su carisma escénico (ha dedicado siempre parte de su carrera a la docencia e investigación). En mis épocas lisboetas, tuve oportunidad de verla al menos en dos ocasiones en el Festival Alkântara; incluso en aquella colaboración con el escultor Rui Chaves en el CCB, muestra de su multidisciplinareidad.

Una actitud en escena, eso son precisamente sus piezas, con una cercanía a la performance, por el uso dilatado del tiempo/tempo, la unidad de la acción... Piezas personales en las que Vera crea, en una cierta cercanía al público, una situación algo hermética, sin mñas licencias dramaturgicas que la cotidianeidad, la naturalidad ante la cuarta pared; y una intención: llevar a cabo un experimento: el desarrollo de un elemento del que partir, algo siempre muy pequeño, hasta que lo hace grande, como una bola que amasa, una tumbleweed; sin que sea previsible hasta dónde llega. Algo cotidiano, una actitud, que, a través de la repetición, la perspicacia, la búsqueda… se va convirtiendo en algo cada vez más complejo y reflexivo. No hay un personaje creado sobre el que proyectar una expectativa narrativa, como habitualmente ocurre en aquello que llamamos “dramaturgia de la escena”, sino una persona, un sujeto: ella, prescindiendo del resto de significados, dando frescura a un gesto-acción.

En la primera propuesta "ALGO MISTERIOSO DIJO E.E CUMINGS*" _ Vera maquillada, con un mono que transparenta un cuerpo desnudo, unas patas/pezuñas de caballo, como un centauro. Rígida y hermética, como salida de un “Creamaster” de Matthew Barney, bajo un foco de luz adopta, a medida que las palabras también evolucionan, una corporeidad, una organicidad que (si se tratase de convocar modelos visuales) se acercaría, cada vez más,a un personaje secundario de una película de Luc Besson: En la foto esa extraña, sofisticada y deshumanizada cantante de ópera de "El quinto elemento"; y Vera en este homenaje a la cantante Josephine Barker, cada vez más excéntrica llegando incluso a cantar lo que antes era apenas un susurro, casi una duda. Uma queda (caída)... uma vontade (voluntad)… uma ilusao (ilusión)...

Al principio las dice como buscando la intención, el tono más correcto, casi como un acto que busca al personaje; al final construye con ellas secuencias lógicas de gestos. Gestos inventados, dotados de gran expresividad -sin duda su mayor virtud en escena- que recuerdan a Marta Carrasco (o.. Vera estaría más bien entre.. Cuqui Jerez...; y Pilar Albarracín?? por esa especie de humor conceptual), insistiendo en que el estilo y la intención de Vera Mantero es único.

La puesta en escena -la sobriedad del plano general en contraposición al barroquismo visual, gestual y vocal de la única figura que lo habita- recuerda, en la línea de Besson, a ese cine que juega con ser mudo: esa Isabella Rosellini en "The saddest music in the world", de Guy Maddin.o la extraña y sofisticada mujer sin rostro de “La antena”, de Esteban Sapir. Ejemplos que son, en realidad, precesores de una gran imagen: la de esa mujer/heroína apareciendo en lo alto de una escalera, de “Metrópolis”, de Fritz Lang y ese Gran Plano General en su dimensión total de dramatismo, que se ha convertido en iconográfico y se estudia en todo manual de técnica de planos. También hay algo que me recuerda a ese precioso trabajo de la prolífica Maya Deren: “Into the mirror” (una de esas piezas claves como “La jetteè”, de Chris Marker que, sin ser filmes convencionales, forman parte de la Historia del Cine; si es que no sentaron las bases de futuras tendencias…), mediometraje que precisamente veía hace escasos días, en la pantalla grande que se merece, otra vez, dentro del ciclo “Corrientes alternas”, que está ahora programado en el CaixaForum.

No sé… Quizá sea la facilidad de “entrar en personaje”; 0 el hecho de que Maya se mantenga en la delgada línea que separa ficción cinematográfica y videoarte; como Vera lo hace entre lo que es gestual/no verbal y lo meramente interpretativo, es decir, dónde acaba la performance y dónde sería ya danza.

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En la segunda propuesta, "Lo que podemos decir de Pierre", Vera es Vera a 100%: vestida cómodamente, sin caracterizar, con ropa de ensayo, luz de sala, todo en aparente normalidad. Sin embargo, probablemente sea mucho más compleja, aunque no lo sean sus elementos a priori. Al ser una pieza danzada parece más fácil de categorizar, cuando en el fondo es un género inventado: Enseguida comienza la reproducción de una imagen en una pantalla, al fondo. La coreografía, el tempo sólo existe como respuesta corpóreo-gestual a dicha imagen: una voz grabada, la de Gilles Deleuze -autor de un para mí libro mítico sobre narrativa: “La imagen-tiempo”, que recuerdo con cariño, en su espesura- refiriéndose a Espinoza, sobre la inmortalidad y la eternidad. Gilles habla en francés; la pantalla está en negro, los subtítulos en español en blanco, en realidad es una no-imagen que se proyecta a lo largo de todo el transcurso. Lo curioso es que al principio el espectador siente la necesidad o considera importante entender el texto pero, poco a poco, Vera lo va coreografiando/bailándolo/interpretándolo, de manera que el texto se convierte en algpo relativo, secundario, apenas la música(lidad) de sus movimientos, se produce una inversión. Es como si fuera una coreografía para cámara al contrario. Se ha despojado a este texto trascendental de su valor inicial, las palabras, y sólo se mantiene de él la musicalidad, la parte por el todo, el tono, ese murmullo de una voz... como cuando dejamos de escucharla con nitidez en el duermevela y no conseguimos distinguir unas de otras sino que escuchamos un hilo. Ilegible si se trata de entenderlo de acuerdo a la "medida (messure) de comunicación", las palabras, porque en este caso lo que se pretende es hacerlo hilo musical,banda sonora de una fantasía creada, que tiene algo entre naif y lewiscarrollniano.

Aquí tenéis parte de ese work in progress, que es improvisación (otro de sus puntos fuertes) y del efecto curioso que crea

El caso es que Vera siempre sabe cómo hacer algo que sea interesante observar, y cómo par el espectador siempre agradece, prefiere ver, en ese tipo de trabajos, "las tripas", cómo algo nace/se crea, se desarrolla y acaba en otra cosa. El monólogo como el yo; la presencia, lo físico, esa espontaneidad como la base y, gracias a su expresividad, a la búsqueda, la relación con las palabras, una reflexión sobre la sociedad contemporánea, la in-comunicación, etc. Cómo cuando algo se descontextualiza se le puede conceder, dar otro nuevo significado.