lunes, 8 de febrero de 2016

JULIETTE BINOCHE EN LOS GOYA (Réplica a TIM ROBBINS EN LOS GOYA,por Alberto López) #Goya2016


Réplica a Alberto López por "CÓMO VIVIÓ TIM ROBBINS LOS GOYA" publicado en Cinemanía
(para leer el artículo, pincha aquí)

NOTA: Alguna de las frases están tomadas directamente (y adaptadas) de la conversación/artículo de Alberto, para mantener el paralelismo Tim Robbins-Juliette Binoche. ¡El melodrama fue el mismo!



CONVERSACIÓN TELEFÓNICA entre Juliette Bioche y Elodié, su agente. 7 de febrero de 2016. 12:03 hora española, misma hora en París, barrio latino.
– Elodié?
..Marion? 
- No, soy Juliette.
- Ah, oui oui... Hola, Ju. 
– Tengo que decirte algo: Estás despedida.
– ¿Cómo?
-  Ya no eres mi agente.
– Tú y ese sentido del humor del norte...
- No, te despido de verdad.
– ¿Dónde estás, Ju?
En medio de una fiesta gitana, ahí estoy.
– ¿Cómo? ¿Qué al final has ido al sur?
– No, Elodié. Estoy en Madrid. Aunque casi me llevan a la fuerza a Málaga.
- ¿Te llevaste la crema protectora?
- No, Elodié. Tú eres la que va ahí de vacaciones; Te recuerdo que llevo sin cogerme vacaciones 2 años.
- Bueno, perdona...
- ¿Tú te acuerdas de a qué he venido?
- Oui oui...
- Y entonces ¿puedes explicar por qué he acabado en esa gala de pacotilla?
- ¿Qué te pasa, Ju?
- ¿Que qué me pasa??????
- ¿No estaba bien el hotel de 3estrellas al que te llevaron?
- No lo sé, Elodié. Si lo llego a saber me cojo todas las botellitas de whisky del mueble-bar y me las meto en el minibolso.
- ¿Por qué ibas a hacer eso, Ju?
- Eso me pregunto yo. Cómo te documentas tú de adónde me llevas: ¿Los Goya? ¿Te acuerdas?
– ¡Claro, Ju! ¿Qué ha pasado? ¿Qué te han hecho?
Quitarme amor por EL CINE.
– …
Tres horas y media sonriendo como una imbécil.
– …
– Tres horas y media deseando tener el bote de pastillas de "Azul" y tomármelas toda de golpe.
– Ju…
– Estás despedida.
– Ju, escúchame. Seguro que podemos arreglarlo.
– ¿Ah, sí? ¿Puedes arreglar que se me haya quedado la cara más petrificada que en el rodaje en el Polo Norte de la peli de la Coixet?
- Ju...
- Mira Elodie, me han invitado a vichyssoise
-¿Hace buen tiempo?
- No, un biruji que pela.
- Bueno, y el vestido: ¿El negro de gasa al final? Ése te queda divino....
- No, Elodié. Fue el de “guiness de escotes en pico”.
- ¿Qué Guiness?
- Sí, una mujer que me sacaba una cabeza, una tal Viviana, me dijo que en las galas de cine de España el dress code se calcula con escote tres palmos por debajo de la clavícula. Así que tuve que ponerme el otro
- ¿El de "hada de las nieves"?
- Sí, ése...
- Ya lo siento, Ju...
- No me pude poner ni sujetador.
- Por lo menos ¿fue alguien a buscarte al aeropuerto?
- Sí. Bueno... Al salir leí un sms de un tipo diciendo que me cogiera el metro hasta Barajas, que era donde había aparcado, para no pagar.
- Barajas..?
- Sí, Elodíe. Como si en Paris te dicen que vayas al distrito 15.
- Bueno, vayamos por partes, Ju...
- ¿Por partes? Mira Elodié, sólo te diré una cosa. ¿Te acuerdas cuando me preparé la escena "casting gore"...
- ¿La de "Code inconnu"?
- Sí. Llego a haber estado antes en la gala, y me sale sola y redonda. Nunca he tenido tanta claustrofobia.
Pero... ¿No estaba Victoria? Me dijo su representante que...
- ¿Victoria Abril? Creo que ya no tiene. Apenas la conozco.
- Bueno, pero ella habla francés, hubierais podido..
- No, no la ví.
- Qué raro.
- Un rato antes de salir, me llamó a gritos una mujer: Juliette Binocheeeeeee Juliette Binocheeeeeeeeee
- ¿Y eso??
- Sí, desde la calle a la habitación del hotel, con el pelo afro, tenía una pinta muy rara...
- ¿Quién era?
- No lo sé. La vi entre las cortinas, parecía que no se había peinado nunca.
- ¿Llamaste a seguridad?
- No. Pero luego preferí bajar directa en cuanto me avisaron en recepción de que estaba el chófer.
- Bueno, al menos te llevó un chófer.
- Merci beaucoup.
- Mira, Elodie, me quitaría los zapatos de tacón que me han destrozado los talones y... Te los lanzaba.
- Te dije que no llevases zapatos de tacón si no estás acostumbrada.
- ¿En serio? ¿Crees que yo iba a..
- Ya sé que no.
- Además ¿cómo entonces iba a llegar a darle besos a Tim, eh? Dime.
- Ah, Tim ¿qué tal?…
TRES HORAS Y MEDIA, ELODIE. TRES MALDITAS HORAS Y MEDIA.
- ¿Tres..????
- Eso es dos películas de Bertrand Tavernier.
(SILENCIO)
- Ju..?
– Recuerdo tus palabras perfectamente: “Ve a Madrid, Ju. Ve a los Goya. Te tratarán bien”.
– Ju, yo…
“Lo pasarás bien, Ju. Te subirán a un pedestal. Ve, te lo mereces”.
– Y yo mientras faltando al Congreso Internacional de Simone de Beauvoir en Bordeaux.
- ¿Cómo íbamos a saber..
- ..Que esto no era Cannes..?
- No seas tan francesa.
- Francesa, dice. Simone, cómo te he podido hacer esto. Je suis desoleé…
- Sabes que es muy malo comparar...
- ¿Comparar? (Jajaaaaa). Menos mal que Tim tenía unos peta-zetas y me mantuvieron entrenada la mandíbula y un poco entretenida un rato.
– Pues yo te ví muy natural
- ¿Al menos has comprado antiguallas en el Rastro?
– Definitivamente. tienes Diógenes.
– ¿Fuiste al sitio que te recomendé? “El Tigre”. Me dijeron que…
– Ahora es cuando me doy cuenta de que no has ido ni una vez a la
Filmoteque, y la tienes al lado de casa...
- No me gusta el cine francés.
- Voy a alejarte del cine de autor, Elodié.
– Ju…
– Voy a quemar tu dichosa agenda en la chimenea. Juro que te la voy a quemar y todos esos estúpidos post-it que llevas.
– Tú sí eres fina, se te da fatal amenazar... Cuéntame ¿Has hecho contactos al menos?
– Un tal Garzón.
– ¿Quién?
– Alberto, creo que se llama. Un secundario. Le conocí cuando esperábamos a que nuestros acompañantes acabasen en el photo-call.  
- Quizá sea un actor emergente, que luego despunte.
- También por un momento vi una melena que parecía Marilyn, el único momento de glamour de la noche… Luego se dio la vuelta y era una mujer mayor. Me sonrió. Casi pierdo la cabeza...
- ...
- Ahora entiendo a Rossy.
– ¿Cómo?
– Tener que lidiar con estos casposos, después de la movida madrileña. Imagínatelo.
– Ju, se corta. No te oi…
– ¿Sabes quién es Serrat?
#
 


EPÍLOGO:
El pasado sábado tuvo lugar la 30ªEd. de los Premios Goya y la gala tuvo el placer de contar con una de esas personas que ennoblece la profesión, una DAMA DEL CINE, una grandísima actriz (mi favorita, de hecho): Juliette Binoche, que se ha comido la cámara en ni más ni menos que 61 películas, alguna de ellas forman parte ya del Cinema Heritage. Y se decide tenerla tres horas de soporífera gala sin traducción simultánea...
Que alguien me explique esta catetada.



 

miércoles, 27 de enero de 2016

"Wide open", de CHEMICAL BROTHERS (feat beck): Nuevas tendencias del #videoclip IN-DOOR OUT-DOOR #screendance (II)

Esta semana arrancaba con el estreno de "Wide open", de los CHEMICAL BROTHERS, esta bonita pieza -llamémosla así, puesto que se sitúa exactamente en el medio entre el #videoclip y el #screendance- que lleva casi 2 millones de visionados en apenas 2 días, absoluto viral que viene a decir que el público quiere ver algo más allá de vídeos de gatos y caídas... Que existe y permanece el buen gusto. O que la banda en cuestión goza de su habitual status y sabe, además, cómo sorprender, y le dedica esfuerzo y buen gusto, para realizar una pieza tan delicada y contemporánea, para abrir su nuevo y ya noveno disco: "Born in the echoes" (EMI, 2015).
Y, aunque su belleza radica también en los efectos especiales, en este post nos centraremos en su relación con la danza, la creación coreográfica y algunos aspectos en relación a cómo llevar la danza a la cámara y la pantalla.
 
¡Ver aquí!

CRÉDITOS PRINCIPALES:
  • Música: The Chemical Brothers – "Wide Open" (feat. Beck)
  • Director: Dom & Nic
  • Productor: John Madsen
  • Coreógrafo: Wayne McGregor
  • Bailarina: Sonoya Mizuno.
Pesos pesados todos, sin duda.

Breves presentaciones:
- La propuesta visual corre a cargo de DOM&NIC, el otro pilar de los Chemical a la hora de llevar sus temas a paraísos visuales y universos particulares (junto a Gondry, como comento abajo): Decir de ellos, como curiosidad, que realizaron un videoclip al gran y recién fallecido David Bowie que fue censurado. Y son habituales del plano secuencia.
- Del coreógrafo, responsable de darle la magia a través del movimiento, decir, para poner un poco en contexto, que Wayner McGregor es un archi-premiado coreógrafo británico, director de la compañía RANDOM DANCE (fundada en 1992). Conocido por la exploración psíquica y emocional de sus coreografías, ha colaborado e investigado en diversos proyectos de danza, cine, música, artes visuales, tecnología ciencia; Y coreografiado para las compañías más prestigiosas del mundo. Casi nada...
- Y de esta elegante intérprete: Sonoya Mizuno y de su expresividad, decir que nada de esto es casual: Esta bailarina y actriz japonesa tiene una corta pero intensa carrera en películas, entre ellas "High Strung" de Michael Damian. 
 
 
  
1.
Imposible dejarlo pasar sin dedicarle un post...
En primer lugar, porque, recientemente, me referí a "Go" de los CHEMICAL BRO. dirigido por Michel Gondry, esa pequeña locura futurista site-specific en una explanada de oficinas de Paris (ver aquí post). Y, ahora, éste es un muy complemento, que demuestra: Por un lado, que a los @CHEMICAL BROTHERS les interesa el contenido coreográfico. Y, por otro, que hay vertientes muy distintas de abordarlo, y que a ellos les interesan varias. Y precisamente éstas sean las más opuestas dentro del excelente buen gusto de ambos. Y de cómo combinar estética y narración. 

Pasemos del más al menos:
  • Del cuerpo de baile al personaje total; 
  • De la coreografía sincronizada al hecho escénico, el solo;
  • De los efectos rústicos a los más avanzados;
  • De la catarsis a la metamorfosis; de las localizaciones único espacio;
  • Del exterior al interior;
  • De los planos fragmentados caleidoscópicos -Broadway style- al plano secuencia, al minimalismo;
  • Del set a la localización natural (o eso parece).
En definitiva, del baile del intérprete al baile de la cámara.
 
"Wide open" (DOM&NIC, 2016)

Y ella: maravillosa intérprete, cuerpo líquido, que, gracias a la tecnología y a la virguería (del equipo VFX que trabajó con DOM&NIC y que mapeó el cuerpo completo de la modelo con 107 elementos individuales) desparece en el espacio... Se vuelve robot, se hace transparente: Leits motivs del videoclip, que siempre ha tenido esa fascinación y seducción por los cuerpos híbridos. (Véase "All is full of love" tándem Björk-Chris Cunningham, otro peso pesado del 'video-clip de autor', que podría proyectarse en un museo...). 
Y cómo esta sinergia intérprete-cámara, en su metamorfosis, y previamente coreógrafo-director, en su dramaturgia, se produce.  

Otros tantos detalles, que se nos pasarán desapercibidos, más en la línea de la mera mise-em-scene, nada falta ni sobra. Y. además, apenas sutil, está esa bonita gama en clave CMK en tonos desaturados.
Y de la canción en sí, qué decir, al fin y al cabo es el motor de todo esto: Redonda, up-beat, de las que se mete dentro, con una repetición elegante, con una estructura progresivamente emocional, acumulativa, con unos crecendos y todas esas capas, que se solapan, como actos. Todo un señor tándem, caballo ganador: la delicadeza vocal (que a veces a ellos les falta) que ha demostrado siempre Beck; y los creadores de algunas de las bases electrónicas más emblemáticas del siglo 21: Los Chemical Brothers (que le dan esta épica particular).

Y no olvidemos que el screendance, tal y como lo conocemos, como práctica contemporánea, como nuevo lenguaje y género, lo impulsaron muy fuertemente los Sigur Rós -otra de las bandas muy pioneras en los experimentos- con su "Vathari", una de las primeras incorporaciones de un coreógrafo de renombre: Sidi Larbi, como co-autor de la pieza (dirigida por Christian Larson): Es decir la aparición de nuevos modelos y equipos como consecuencia de las sinergias.
Aquí tenéis ese inolvidable dúo, una pieza realizada en condiciones de super-producción, donde el virtuosísimo se duplica: el técnico y el de los bailarines, transportando a un lugar donde la danza contemporánea, ese gran desconocido del público, entraba, directa en su esplendor, a ser viral; propuesta a la que aun muchos bailarines y coreógrafos asocian el género del screendance:

"Valtari" (Christian Larson-Sigur Rós), 2013)
Ver aquí


Y es cierto: La relación de la danza con la música es una sinergia inseparable desde tiempos ancestrales. Puntualmente, ha habido una serie de trabajos que han marcado mucho el rumbo del 'dance-on-camera' es decir, de la mezcla de éstas con el Cine, y han sido, en su mayor parte, mérito y asunto del videoclip, esa caja de pandora de lenguajes y disciplinas, que algunos cineastas y músicos aprovechan y exprimen al máximo. Y en el que, a veces, también entra coreógrafos, a hacer lo mismo. 
Y es importante que no se democratice ese modelo, que no se vuelva tendencia, porque no todo es "coreografiable", o tiene el interés de serlo, ni tiene que ver con los cuerpos, el movimiento, el tiempo; y todos los conceptos derivados: ocupar, habitar, seducir generar un vínculo, una dramaturgia en otro código...      
 
 2.
A continuación, las habituales referencias con las que en este blog siempre se contextualiza un trabajo, ya sea por similitud, en lo que podríamos considerar una 'tendencia'; o lo que podríamos determinar como referencias, precedentes, preámbulos....
En este caso, las fuentes que podrían contornear, de una forma u otra, lo que se propone en "Wide open" (repasemos el multi-tandem: CHEMICAL BROTHERS feat BECK - DOM&NIC - Wayne McGregor), el por qué de su contemporaneidad.

En primer lugar, a raíz del movimiento de cámara:
Me viene a la cabeza, por la envolvencia del paisaje (aunque en este caso se trate de uno interior), por la fluidez de la cámara, por su omnipresencia, por la totalidad del espacio y la ausencia de fuera de campo, por la naturalidad del dispositivo. Y, especialmente, por el hecho de ser un plano secuencia y éste ser su mayor mérito y también lo que le da una especie de veracidad. uno de los grandes, pionero en experimentos sobre el punto de vista: Michael Snow, padre del cine experimental, y dos de sus trabajos (que probablemente DOM&NIC conozcan): 
El primero, y casi la génesis del movimiento de la cámara, de la seducción por la representación del espacio, el espacio infinito, el paisaje, esa experiencia llamada "La región Centrale", absolutamente pionera e inteligente en cuanto a os recursos de aquel entonces. Y, un poco más tarde, el segundo y, aun más cercano a esta propuesta, explorar un espacio que ya está delimitado por su propio tamaño: "Wavelength" . Y pareciendo que es posterior, fue un trabajo previo, que le dio unas claves y pautas de cómo construir aquel dispositivo con el que consiguió absoluta libertad en "La región....".

[Paralelismo inevitable, todo esto podría recordar la trayectoria también bien interesante, arriesgada y absolutamente contemporánea de videoclips de Björk, que acaba con el paisaje en bruto, el espacio total, un videoclip rodado a 360º: "Stonemilker", ya casi en el lenguaje de la instalación. Aunque, sin duda, ella ya lo llevaba tiempo convocando (por supuesto me refiero a "Yoga")].

 
| EXTERIOR |
"La región centrale" (Michael Snow, 1971)

 
| INTERIOR |
"Wavelength" (Michael Snow, 1967)
 
 
"Stonemilker" (Andrew Thomas Huang-Björk, 2015)

Y es cierto que el no corte, la continuidad temporal, el hecho que algo ocurra a tiempo real, produce un efecto en el espectador muy alejado de la catarsis pero también muy profundo y eficaz.
Nos provee de una sensación de veracidad. Los vuelos de las cámaras tienen este efecto porque son un seguimiento del personaje, una fe en él, una complicidad, una insistencia, un acompañamiento e sus luces y en sus sombras... (Varios cineastas han casi construido su cine bajo esta premisa: el verdadero retrato). En este atípico videoclip, es también necesario, porque se explora algo que es muy emocional: Un estado de transición.

Puesto que yo soy asesora, docente y programadora-curator de vídeo y danza y estoy especializada en screendance, insisto muchas veces en dos cosas que aquí están muy bien resueltas y que me parecen valores añadidos a destacar:
- La localización es la adecuada
- La duración es la adecuada (si bien es cierto que viene definida por el tema).
Y ambas suponen algo tan sencillo como que esa interconexión ESPACIO-TIEMPO sea un contentor exacto y acorde a la propuesta que en él se va a incluir-ocurrir, a pesar de la enorme dificultad y virguería 2.0 (la animación de efecto de transparencia mediante), que aquí no parece ni tomar importancia, sino estar incluida e incorporada temporalmente.... Todo un detalle y un guiño al espectador, el efectismo a favor de su/nuestro placer y disfrute.
---

En segundo lugar, respecto a la localización, "Wide open" nos lleva..:
La localización es, sin duda, muy interesante, especialmente por el hecho de ser interior y un espacio doméstico. Rompe el cliché del espacio industrial, la fábrica abandonada, condenada a ser, una y otra vez, quizá por mímesis u homenaje a Sidi Larbi con Sigur Rós (en muchas de las producciones de vídeo-danza al menos), el marco y telón de fondo de la danza para pantalla, lo que genera un mapeado homogéneo en cuanto a las localizaciones de screendance. Este espacio en el medio de varias cosas, sin identificar, con huellas, bicicletas, bastidores traseros de cuadros... reconforta. Sí, nos da una noción de espacio habitado, que pertenece a alguien, en donde alguien trabaja. Un lugar creativo.   Probablemente el taller de un artista, un pintor de grandes formatos, que probablemente comparta el espacio con alguien.   
Me recuerda, en primer lugar, a algo que siempre me ha parecido una joya: "Le Marais", dentro de "Paris je t'aime" (2006, varios directores), ese hermosísimo trabajo de Gus Van Sant, en el que acepta el encargo de retratar, dentro de esta peli colectiva, un distrito de la ciudad de París, con una historia narrativamente minimalista, que ocurre en su totalidad en un taller de estampación, donde, por casualidad, dos personas se conoce y se sienten interesadas la una por la otra.
Y es cierto: nos hace falta eso: impacto emocional. Que esté bien 'arropado' y acotado, en su intensidad, por las menos localizaciones y filtros posibles.

 
"Les Marais" - "París, je t'aime" (Gus Van Sant, 2006) 

 
3. 
Y, como directora de una plataforma: MILK&HONEY dedicada a la investigación, producción, difusión, programación y teorización de un género en fuerte eclosión y de indudable interés por su contemporaneidad e innovación: la danza para pantalla, considero "Wide open" una joyita, un muy buen ejemplo para hablar de lo que está pasando en el panorama actual. Añado reflexiones personales:
En ambos ejemplos de Michael Snow que citaba arriba, se observa un concepto que procede de la teoría cinematográfica y que está cada vez más presente en lo coreográfico, especialmente en el formato del screendance: el estructuralismo. Y en base al que se producen transiciones espacio-temporales IN-DOOR y 'OUT-DOOR'. La idea del umbral prevalece, en el concepto y el estado de habitar (estar, en un determinado lugar, por un determinado tiempo). Y esto puede dar claves sobre cómo habitar on stage y on camera.

Vivimos en una época de alta contaminación y saturación visual, en la que es una consecuencia lógica y real, que se den una serie de tendencias y de propuesta que tienen, en contraposición, un timing muy ralentizado, algo sin efectos, de observación, sin necesidad de una acción, de bailar, de llenar de movimiento (casi lo contrario a lo que se viene dando en el vídeodanza, o esa catarsis propia de los musicales de Broadway), en las que los espacios casi se humanizan. Es muy interesante lo que ocurre cuando se llega a este nicho y tono tan lento, a esta atmósfera particular
Tanto que, precisamente, el próximo programa que he comisariado se llama "[SOY, LUEGO HABITO] / To inhabit" y en él he seleccionado 3 excelente propuestas, que podréis ver en la Feria de Arte Contemporáneo ·JUST MAD·, del 23 al 28 de febrero en COAM. Madrid (Y próximamente en otras fechas, que anunciaremos en nuestras redes - MILK&HONEY|Plat). 

En primicia un breve extracto de la entrevista a una de sus creadoras: Melania Olcina
-  ¿Cómo entiendes el concepto y el estado de habitar (estar, en un determinado lugar, por un determinado tiempo), en este propuesta concreta y en tu actividad como coreógrafa?
- En mi propuesta de vídeo intento “ser” en un lugar que ya ha sido habitado otras veces por el papel de la mujer, siguiendo los pasos de una tradición heredada de nuestra historia del arte occidental. Vuelvo a revisitar ese espacio (lugar) que nos han contado que es nuestro.

"Woman on background" (Melania Olcina, 2013)


 
| EPÍLOGO |
Y, para cerrar, "las promociones":

Precisamente, dentro de la actividad docente regular de MILK&HONEY|Plat, para propiciar la sinergia entre creación coreográfica y audiovisual y, más concretamente, la investigación y creación de 'screendance', muy a raíz de a lo que me he referido en el post, próximamente impartiré un taller-LAB, que a muchos puede interesar, para reforzar conceptos y adquirir recursos. Aquí los datos generales:
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CURSO: "Cómo y por qué hacer DANZA PARA PANTALLA (Dispositivo cinematográfico y dancefilm)"
IMPARTE: María Rogel (MILK&HONEY|Plat).
TARGET: bailarin@s, coreógraf@s y creador@s interesados en la dramaturgia para pantalla y la narración cinematográfica.
FECHAS: del 5 al 7 de febrero.
HORARIOS. viernes: 19-21hs / sábado 11-15; 16-20hs / domingo: 11-15hs.
LUGAR: Espacio en Blanco (Madrid).
CONTENIDOS: https://www.facebook.com/events/1029398540458128/?hc_location=ufi

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miércoles, 14 de octubre de 2015

Coqueteos de Michel Gondry (compinchado con THE CHEMICAL BROTHERS) con el #screendance: Del musical de Broadway al Constructivismo ruso

Aquí está un trabajo que me parece maravilloso. Toda una joya/tándem: Michel Gondry (esa cabeza de la que salen tan buenas ideas y que tanto ha aportado al mundo del videoclip) con/para los CHEMICAL BROTHERS:
Un universo muy particular este maravilloso videoclip "Go", con ecos e influencias al más puro constructivismo ruso. Unos encuadrazos. El ingenio de lo bello. Nada mejor que dejarse inspirar por las vanguardias...
Con coreografía de Shirley Henault. Y ese maravilloso cuerpo de baile, con 7 magníficas intérpretes, mecanizadas al servicio de esta 'pseudo ciencia-ficción' lo-fi.
Un ejemplo de buen gusto y de puesta en escena: localización, vestuario, documentación etc.

Podéis ver aquí el work in progress, muy interesante:




#1
Aquí están varios aciertos de la propuesta.
Desde la perspectiva de "screendance"/'dance-on-camera', más que de videoclip, vamos a comentarlos un poco.
Y luego, a su fin, veis el resultado, un videoclip que produce catarsis, cómo no podría ser de otra forma, estando 2 pesos pesados como son Michel Gondry, y sus artesanales fantasías; y Chemical Brothers, y sus magnéticas melodías electrónicas...
Un buen tándem no asegura una buena sinergia (suma de las 2 partes). De hecho, ése suele ser el problema de muchos de las coreografías para cámara: que no acaban de llegar a buen puerto, o bien porque la coreografía ya existía previamente y no se ajusta a la intensidad de la cámara; O porque no se conoce los recursos de lo cinematográfico y se queda en algo muy poco profundo.

Por poner en contexto: Es la tercera vez que M.G. y C.B. colaboran.

Y así es cómo descubro una cierta similitud con otro trabajo previo: "Let forever be", y que hay un recurso que previamente ya había utilizado: coreografiar, trabajar con un cuerpo de 7 intérpretes, que establecen un juego de secuencia en una sincronía exacta. Y los efectos que esto produce, casi como una post-producción ‘in situ’, valga la contradicción, o “lo fi” (concepto que ya sabéis él trabaja siempre).
Y en ese videoclip, que tiene ya 15 años, lo hacía casi como homenaje al musical de Broadway, coreografiado por Busby Berkeley para el musical “Dames”, de Warner Brothers, Reconstruyéndolo. Jugando con los clásicos planos cenitales, en una la verdad muy interesante mezcla entre un 'cinema verité' y algo absolutamente clásico y escenificado, siempre haciendo guiños a esas clásicas composiciones caleidoscópicas de cualquier espectáculo musical de Broadway.
 
 
 
 
"Let forever be"
(CHEMICAL BROTHERS - Album "Surrender", 1999)
 
Aunque ese efecto del despliegue, el desboblamiento es en “Let forever be”, interpretado por la actriz y bailarina Stephanie Landwehr, mucho más recargado, ornamentado, virtuoso, caleidoscópico, que en el caso de "Go", que lo limpia mucho más y establece con él un perfecto guiño de perspectiva al más puro estilo de la vanguardia rusa y de cualquier cartel de propaganda con ese peculiar estética (a la que prácticamente todos los amantes del diseño gráfico le tenemos debilidad).

Pero vamos a retroceder. Nada mejor que dar con un anclaje el que puede ser el medidor de la “intensidad”: Gondry se refiere en la entrevista 'on the set' a que la base de la canción "Go", del álbum “Born in the Echoes”, de Chemical Brothers (2015) le hacía recordar el traqueteo de un tren. Y entonces lo visualiza, de acuerdo a una estética particular. Siguiente paso (el anterior demuestra su capacidad de descontextualizar y de generar imágenes metafóricas, quién lo dudada…): ¿Cómo se traduce-manifiesta? Con una austeridad. Rigurosa frontalidad o la del plano que establezca la línea. Gama: desaturada; Un vestuario, negro y gris, a juego con los edificios colindantes, que marca, aún más, en perfecta consonancia con la localización, y el tratamiento del plano, la perspectiva: tirantes, motivos geométricos en las medias, esos sombreros puntiagudos... Con algún resquicio de humor, amortiguado por el placer que a todos nos provoca ver una coreografía sincronizada, aquí absolutamente impecable. El maquillaje de anti heroínas al más puro estilo "Metrópolis", de Friz Lang, que las homogeniza. Cómo todo nos lleva a un universo de ciencia-ficción pseudo-documental.

Hay algo que sin duda funciona, que podríamos considerar el punto1 de un posible decálogo de la fórmula mágica (del cine en gral., del screendance…): Abrir un agujero en el tiempo. Que de él salgan personajes. Que los intérpretes aparezcan, mimetizados en un contexto, del que tenemos una cierta referencia -del que existen previas representaciones, que forma parte del imaginario colectivo- y, por tanto, todo nos dé, al margen de su realismo o falta del mismo, una verosimilitud.

Aunque aquí no se pretenda contar ninguna historia. Aunque sea algo más parecido a un ejercicio de estilo que a una historia. Aunque sólo sean entradas y salidas de plano… Hay un mundo personal, una dramaturgia que hace que todo funcione.




 
"Go"
(CHEMICAL BROTHERS, Album "Born in the Echoes", 2015)


#2
Me gusta mucho algo que hace Gondry, y que es la cara revertida de esa imperfección que da ‘hacer efectos sin efectos’, mejor dicho, yendo a la artesanía, cuando ya tenemos acceso e interiorizados otros métodos más sofisticados y tecnológicos (es decir, que podría tambalearse la verosimilitud): Por ejemplo, la localización. Uno de los grandes temas y cuestiones de toda película o representación: Dotar de significado a un espacio. Que, a efectos de lo que ocurre, sea el escenario adecuado. Algo que en las piezas cortas -especialmente en las que hay danza- raramente se da.

Se ve una madurez en este creador que en esta ocasión opta por ese naturalismo y naturalidad de un localización natural, un lugar en el medio de un barrio, en una periferia (sin quitarle mérito al location scout, claro: Ha hilado fino: qué mejor que dar con un espacio que parece que no haya costado mucho encontrar).

Un lugar que, si nos lo proponemos, con ese aspecto 'retro' o que recuerde, todos encontraríamos en nuestra ciudad. uno de esos lugares que se quedan medio arrinconados, que uno recuerda de siempre, que nos producen tanta familiaridad: Quién sabe si en Madrid los alrededores de la Calle Orense; los propios "bajos de Moncloa"; los bajos de la Torre en Colón, donde se juntaban los hip-hoperos allá por los 90's... Y cuántas veces me he encontrado con lugares así atajando y paseando por Berlin, la ciudad en la que cualquier paseo se convierte en “Sin noticias de Gurb” de Eduardo Mendoza….

Volvamos al videoclip: Transcurre en una suerte de patio interior.  Marco perfecto para el anacronismo, sin necesidad de irse a un plató, a una aplastante artificialidad. Y eso es bonito. Porque tiene la experiencia del lugar. Y porque resulta que esa localización la deben conocer muchos parisinos, más concretamente los del Distrito 15: “Front-de-Seine”; También los arquitectos, porque esta remodelación, en los 70’s, en esa zona junto al Sena, sobre una plataforma elevada, muy característica por sus motivos geométricos, visibles desde lo alto de las 20 torres que presiden el lugar, la diseñaron y llevaron a cabo Henry Pottier y Raymond Jules López.

Y me gusta: Que se haya ido ahí, a una zona que será de oficinas o viviendas, high class probablemente, y ofrezca ese punto de vista, que probablemente de otra forma muchos no tendrían… La misma sorpresa que yo me llevé cuando, en “The limits of control”, Jim Jarmush nos enseña en detalle los misteriosos interiores de puede que mi edificio favorito de siempre: Torres Blancas (Avenida de América, Madrid), del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. Creo que también el de mi madre.
 
 
 

Y me dieron ganas de decir:
- “Gracias, Jim. Yo siempre he querido entrar ahí. Ahora tengo la sensación de haber estado… Gracias”.
Y, amigos, eso también es el Cine… No sólo lo vivencial, sino saber transmitirlo. Y generar memoria, memorias de lugares, etc.

Así que no es sólo un homenaje cinematográfico-pictórico al Constructivismo, sino también a la Arquitectura, a ese lugar.

Eso quiere decir que a Michel Gondry, además de su indiscutible talento, se le da bien crear universos (propios, complejos, autosuficientes). Y que, cuando utiliza el mismo recurso, no lo hace de la misma manera.  A eso yo lo llamo creador con sentido de la responsabilidad. Con la intención, más si es un encargo/algo ajeno, de generar algo con alma, cada vez.
Que sabe cómo crear algo, crearle un perímetro, ponerle una puerta, y hacer una llave y poder abrirla y entrar en él. Sin muchas grietas. A pesar de que todo sea aparentemente vulnerable.
 
Por otro lado, tiene gracia que sin tener probablemente ninguna formación en danza y ningún conocimiento sobre los procesos coreográficos(o sí... No olvidemos que es el artífice, junto a Blanca Li, que lo coreografió, del maravilloso "Around the world", de DAFT PUNK), tenga madera de coreógrafo. Al menos sea quien, en este caso –como se ve perfectamente en el vídeo del work in progress- tenga la idea, que luego sólo se tiene que ejecutar. Y en ese sentido entra la coreógrafa (S. Henault), a pulirla.
 
La pregunta es: ¿Sería capaz Gondry de hacer directamente una pieza de cine-danza, creada por él mismo? Me refiero a dese el principio del proceso, sin una canción que ilustrar. Yo me aventuro a pensar que sí, que tiene un talento y una capacidad de inventiva, de escucha, de observación… (Siendo las 3 una bomba de recursos). Y, en el fondo, hace homenaje a los lugares comunes. Ingenio puro.  Un arquitecto de la cinefilia, un mago, la marioneta y el manipulador, todo a la vez...

Y ahora sí... "GO"!


   

viernes, 18 de septiembre de 2015

Sobre el estado de la danza (y su mala prensa): No es "qué pasa con MADRID EN DANZA", sino "qué pasa con MADRID SIN DANZA.

No es "qué pasa con MADRID EN DANZA", sino "qué pasa con MADRID SIN DANZA".
Por María Rogel (Lapor). 


PARTE 1: La objetiva. "La réplica al articulo"
 
Desde MILK&HONEY (plataforma independiente de apoyo permanente producción, investigación, programación y divulgación de CineDanza | Creación Audiovisual y Coreográfica), de la que soy fundadora, directora y programadora
Queremos hacer un llamamiento a una reflexión, a raíz de un artículo publicado en EL DIARIO.ES,: "Primer bache cultural de Jaime de los Santos y Cristina Cifuentes con Madrid en Danza", que firma Paula Corroto, a 15/09/2015 (y que podréis leer pinchando aquí), que se ha difundido entre personas relacionadas con la danza en las redes masivamente. Y que, sin embargo, no nos parece que responda tenga los datos ni detalles específicos para comprender el contexto al que -el artículo, su tema- se refiere, de soslayo.
Nos hace pensar sobre la subjetividad y la falta de rigor a la que, una vez más, se somete la danza.
 
Queremos hacer una puntualización sobre la escala del problema, que no queda bien reflejada en este artículo, o, al menos, aclarar ciertas cuestiones:
Que tenga un futuro dudoso un festival (MADRID EN DANZA) no es lo más grave: ¿Sabéis por qué? Porque hay un tema infinitamente más importante, grave, en el que nos deberíamos concentrar todos (sobre todo los que estamos implicados y preocupados, implicados con su futuro): ¿Qué pasa con la DANZA EN MADRID (no con los 10 nombres programados en un festival, por muy bueno que éste sea, y lo era)? ¿De eso nadie escribe un artículo..? ¿Sobre los espacios que no programan, que no saben gestionar. Sobre quién programa a quién y por qué. Sobre cómo una falta de modelos contemporáneos en las políticas de gestión cultural está menguando un enorme potencial volviéndolo localista; Sobre la falta de diálogo, incluso de relevo (necesario) generacional.

Con conocimiento de causa y desde su organización interna, pensamos que hay que reformular la pregunta: No es "qué pasa con MADRID EN DANZA", sino "qué pasa con MADRID SIN DANZA, a secas"....
Abramos una caja de pandora, pero quizá no seamos capaces de asomarnos a ver lo que hay. Quizá no salgan las cuentas con los trozos de la tarta, y otra vez alguien se vuelva a empachar...
Quizá no estemos preparados para remover las aguas, para hablar de todo lo que ha estado ocurriendo. De forma abierta, de verdad.
O no existen el presupuesto ni los recursos ni los medios para dragar el río, para recuperar e identificar el cadáver en el fondo... Entendamos ese "cadáver" como la culpa, el Otro, el miedo, la frustración, las malas gestiones la decisiones no tomadas, la falta de empoderamiento, de reacción...Como la verdadera situación y estado de la danza. De toda esa materia hundida en el fondo de un pantano.

Se abre una investigación  (que es lo que debería ser el buen periodismo) y vamos al lugar de los hechos, a resolver el misterio.
Pero... ¿Quién es el agente Cooper y quién es Laura Palmer en el mundo de la danza, hoy, en Madrid, España, Europa, mundo..? No. No tan lejos, No tan grande. Volvamos. Zoom: Mundo... Europa.... España... Madrid... Madrid centro... Vayamos a la política local y localista. Google maps: ZOOM-IN máximo.  Copas de árboles. Una bonita sala, en la que no se programa nada que repercuta. Estamos ahí. En una intriga a la luz del día.
En unas hermosas salas vacías, con unas características arquitectónicas maravillosas para tantas cosas, para habitarlas de investigación, de cuerpos en movimiento, de coreografía.
En unos lugares a los que asiste un público que no comprende lo que ve. Y nadie se lo explica.
En una falta de emisor, de mensaje (un mail) y de receptor para promover un verdadero plan, uno que haga que la danza se posicione donde debe estar. En un no-mail en un ordenador, en una oficina, en un edificio institucional. En una no-respuesta a una iniciativa externa, de un profesional que no tiene espacio pero si contenidos que ofrecer...

Bien, como pretendo que esta reflexión esté dirigida a un público lo más amplio posible, al ciudadano, al público, comentar muy brevemente que LA DANZA se enfrenta a varios problemas internos desde hace mucho tiempo y que tiene que resolver de forma urgente para mejorar su estado:

- En primer lugar, en Madrid la programación de danza es escasísima. Teniendo en cuenta que es capital y somos Europa, la oferta es absolutamente ridícula, de un localismo preocupante. Esto, además, ocurre, al margen de 2 espacios oficiales, en base a 3 únicos espacios que representan la creación contemporánea, muy posicionados y enfocados en programar determinados nombres, Y que, en su mayor parte, apuestan por una línea performativa de la danza, que, si bien a mí personalmente me interesa, hace que resulte muy difícil defender la 100% DANZA, y no esas experiencias interesantes en las lindes o su intrusismo. O en un discurso más serio y en el formato y dispositivo de espectáculo, que es cono aun entendemos y consumimos danza, salvo un buen diseño de formato. Y no son habituales.
Fuera de esos nombres, el resto de creadores tienen la entrada vetada... 

- En segundo lugar, los cachés son una miseria y las condiciones en las que trabajan los creadores, insostenibles, precarias. Y se tiene que homologar urgentemente y, sobre todo, no con una publicación en el BOE sino con un cumplimiento real.
Condiciones estancadas por otra cuestión: Las pocas citas o plataformas, especialmente festivales, programan prácticamente a los mismos nombres, cuando cada uno debería consolidarse como un nicho específico y diferenciarse.. Sin ejercer la posibilidad de ese empoderamiento, de dar a conocer y defender nuevos nombres; de construir nuevos contextos, no replicables; Y de aprovechar realmente las aptitudes de todos los miembros de los equipos, en vez de relegarles constantemente al segundo plano y colocarse como directores totales de eventos, que se sacan a flote entre muchos.

- A ello se le suma, tercero, y puede que el corazón de la herida, que en la comunidad de la danza no existe un espíritu de generar trabajo. Un filtro más, que aun reduce más ese espectro de profesionales. Un dramaturgo, un director de luz, un compositor (en un máximo, 3) ocupan ese púlpito y prácticamente nadie se esfuerza o arriesga en encontrar a sus propios talentos, sino en reforzar esos nombres.
Resultante: Efectivamente, hay pocos profesionales en la guerrilla, con la mangas remangaás, cuando lleva siendo, ya hace mucho tiempo, el único territorio de la acción. Y tanto miedo a opinar.

- Apunto un cuarto que es al que, en el fondo, más se refiere este post|manifiesto: La mala prensa que tiene la danza, su falta de rigor. La poca presencia de la danza en los medios. Y, en esa escasez, cómo ha habido un nombre que ha destruido públicamente, en varias ocasiones, espectáculos. Y lo hemos consentido. Y el cine tiene a Boyero, pero también a mucho otros. La danza, no.
De contrapunto, una revista basada en la elegancia y el buen hacer de la crítica de danza y el hecho escénico, pura y específicamente, que no entra en política, fuente que además sólo consultamos y consumimos los ya implicados en el mundo de la danza. Y entre medias, poco, o nada. Porque tampoco lo legitiman o promueve los propios creadores. Así que la balanza entre lo que se sabe de danza -y no tanto de ella misma, como del entramado y complejidad de su gestión- está muy descompensada....
La Comunidad de la Danza no pelea el rigor con el que se ha de hablar de ella.

Y una periodista que se llama Paula dice públicamente en un medio llamado ELDIARIO.ES, dirigido por Ignacio Escolar, fundador y exdirector del diario PÚBLICO, y entiendo que con un alcance de al menos 500.000pesonas (o muchas más, siendo medio on-line) que hay un enorme problema, un batacazo, porque Cristina Cifuentes ha cesado la actividad a Ana Cabo, asesora de danza de la Comunidad de Madrid y directora de un festival: MADRID EN DANZA -emblemático, sin duda- pero que ocupa 8 días de los 365 del año.. ¿Es así como se habla de danza..? Eso es como hablar de un pantone de verde en una selva tropical...
Y no es culpa de Paula. Sino de la responsabilidad.

No es la primera vez que reacciono y me manifiesto públicamente ante un artículo en el que se habla de Cultura en Madrid.
Por otro lado, nos venimos enfrentando -yo diría aproximadamente en los últimos 5 años- a una corriente catastrofista en los medios que no comparto en absoluto, ni comprendo su objetivo.
Y eso me lleva a nombrar como verdadera madrina de la ciudad a Elvira Lindo maravillosa, siempre tan respetuosa, sacando brillo y reclamando el encanto de lo grande-pequeño que siempre ha sido Madrid.
 
No se puede ni se debe hablar de #danza -la prima lejana que nunca va a las celebraciones familiares- tan a la ligera, tan vox populis, como una conversación de descansillo, un enfado, una granada que se lanza a lo loco a un sito donde no se sabe ni si va a explotar...
Y, sobre todo, (Paula) no se debe utilizar un tema como excusa para hablar de otro.

Hay que documentar bien los artículos, más en una época de tan poco rigor y con un asunto tan delicado como es la danza. Y nos parece que en este artículo se plantea un problema: la posible no continuidad de un festival de indudable valor (en el que hemos visto espectáculos de calidad a lo largo de una cuantas ediciones), pero no el contexto que lo hace más alarmante. Vemos sólo la punta del iceberg, pero hay que hablar ya de esa masa de hielo, que se expande y contra la que se chocan los barcos...
Hay que profundizar en la cuestión y no quedarse en un hecho concreto, que perjudica a los programados y al público de un evento específico.
Hay que favorecer y dar visibilidad a las otras citas de la danza, algunas han emergido de forma casi autogestionada en los últimos años.
Hay que hablar, si nos ponemos, de las muchas negligencias que ocurren en la gestión y programación de la danza y de la creación coreográfica. Del entramado complejo que hace que sólo unos pocos puedan mover su trabajo, y que haya 10 nombres en cuyas manos estén el presente y futuro de la danza, que no sólo no actúan con verdadero compromiso, sino que están muy lejos de generar nada que la beneficie, especialmente modelos contemporáneos, que es lo que ahora necesitamos.
 
Por cierto, escribo esta contra-respuesta al artículo con la conciencia bastante tranquila, porque yo, desde MILK&HONEY, como plataforma independiente -y desde ahí que aporto y me posiciono- he generado cosas y compartido conocimientos. Y mucho más que pretendo seguir haciéndolo. Hasta ahora, ha sido con recursos propios y la colaboración de algunas entidades; He diseñado y programado  talleres, charlas, proyecciones, contextos de creación, investigación y difusión..
He perseguido a mis alumnos para que acaben los trabajos, les he regañado, les he dicho que respeten el cine, que se enamoren de las películas, que entiendan su responsabilidad, que se hagan fuertes, que sean cada vez más honestos, que se rodeen de buenos equipos, que se reciclen, que no elijan lugares industriales por pura estética, que exploren sus autobiografías, sus lugares, sus memorias; Que.. cuenten historias. Y que sean lo más universales que puedan. Porque, ahora, lo que necesitamos es eso.


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PARTE 2: La subjetiva. "Arrojar luz a las tinieblas (la mala prensa)"

Sin embargo, por muchas negligencias que existan en su gestión, por mucho que esté maltratada, hay algo absolutamente cierto y es la baza sobre la que siempre vamos a poder motivarnos: Nunca habrá nada más mágico que la danza.
Ni el cine, ni la música, ni la literatura, ni el Arte podrán jamás tener ese quelque chose que ocurre cuando lo sublime aparece en la danza, cuando un espectador ve a un bailarín en escena, en vivo, dejarse la piel . Y, al mismo tiempo, comprende algo de la condición humana.

Ejemplo de ello -y aquí la alerta, de no perder la oportunidad de verlo, cuando la haya- lo más bello sublime y sincero que se ha hecho en mucho tiempo es "Brea y Plumas", de la compañía BABIRUSA DANZA, coreografía e interpretación de Beatriz Palenzuela. Que sólo hubo oportunidad de ver el pasado mes de noviembre en la periferia
Pues, puestos a compartir intimidad, pero de la parte bonita del mundo de la danza, quiero compartir algo que me ocurrió aquella noche, junto a varias personas muy activas de la liga de la guerrilla de la danza, que también habían asistido al estreno, a varios kms. fuera del centro. Le dije:

"Beatriz Palenzuela, tengo una premonición que anunciarte: vas a ser Premio Nacional de Danza. Y esto va a ocurrir antes del 2020".

Ella es muy humilde y se rio.
Días más tarde, fui a comprar a la tienda del Caixa Forum una postal de las que al moverse cambia la imagen y produce efecto de animación, con la "La gran ola de Kanagawa", de Hokusai. En el dorso de la imagen, para mí más representativa para expresar mi sensación al salir de ese espectáculo, lo mismo escrito que anuncié a viva voz. Para que se diera cuenta de que esto era algo muy serio, algo que, desde lo más interno de mi criterio profesional, deseaba de verdad que ocurriese. Y lo deseaba porque me parecía absolutamente justo. Una de esas cosas que necesitas que, cada cierto tiempo, pasen, para no desencantarnos, para comprobar que hay un sentido moral de la vida, un reconocimiento de las cosas bien hechas, de las buenas causas...


"Brea y Plumas"· BABRIUSA DANZA

Y fue un bonito recuerdo, en una noche, en la periferia, tomando unas cervezas en un bar de cañas a 0'80€, que ya parece cada vez más lejano...
Fue una manera de darle mi más sincera enhorabuena por un trabajo brillante y sobre todo por una magnífica adaptación en versión larga -perfecta muestra de su categoría como creadora- de una corta que era tan difícil de superar, de un impacto emocional absoluto. Para todos los amantes del 15·M, de aquellos hermosos días que vivimos bajo un cielo de lona azul, de aquel momento en que sacamos las llaves del bolsillo, todos, y las agitamos, como si fuéramos uno... "Brea y plumas" también habla de eso. De que tenemos miedo, de que nos sentimos frágiles y vulnerables, del miedo a la soledad.

Uno de los muchos problemas de los que sí tenemos que hablar: Del desaprovechamiento, de esta joya, que le habría cambiado el concepto y la perspectiva de la danza a mucha gente. Y, sobre todo, porque ese contenido coreográfico trasciende su propia disciplina, se convierte en algo más profundo, importante; en una pieza esencial del imaginario colectivo, de la recuperación de valores. Y ahí es donde está la danza. La danza no es sólo bailar. Qué va..

*Por cierto, preparaos una sidra barata de supermercado, porque, si la premonición de Bea se cumple, es así como hemos quedado en celebrarlo. Allí, en la puerta del Centro Cultural Paco Rabal (entre Asamblea de Madrid/Entrevías y El Pozo), un lugar de Madrid donde mucha gente no ha estado... Y estáis tod@s invitad@s.


Una segunda heroicidad, noticia que tampoco ha salido en los medios, pero que yo voy a enfatizar aquí: Lo que ha conseguido Samuél Retortillo, director del FIVER INTERNATIONAL SCREENDANE MOVEMENT festival de screendance o "danza para pantalla" (género al que yo tmb estoy dedicada y especializada, y circuito que yo también reivindico, con toda la actividad de mi plataforma MILK&HONEY) que se celebra en Logroño y concede los premios de mayor cuantía de dichas características de todo el país; Que viene apostando por lo social de forma impecable; Y que ha generado sinergias entre varios profesionales, que antes no se habían juntado en el duro camino del emprendimiento, y luchaban, pensando que estaban solos.
Y Samuel, bailarín que podría descansar al salir de sus ensayos, con el machaque y lo duro de trabajar en una compañía nacional, se pone a llamar. A uno, a otro. Me llamó un día de enero, a las semanas de yo haber fundado MILK&HONEY, para presentarse. Y a partir de ahí se nos han unido los caminos y compartimos batalla. Y es un placer: que te contagien o se retroalimente la motivación). Destacables su apertura y madurez, que le hacen un bailarín atípico, un gestor nato, muy consecuente, gran aprovechador de recursos. Y dignifica su profesión.
Pues bien, hace escasos días le confirmaban una cosa interesante: le han incluido su FIVER (festival de screendance) en el ICAA. Y, de esta forma, quizá mucha más gente valore y comience a tener en cuenta lo que ocurre, de lo que se habla y cómo se representa en ese mundo llamado DANZA donde la gente se somete a uno de los entrenamientos más largos y duros que existen.
Y, sobre todo, fruto que recoge y que le regala la comunidad, del que yo me alegré mucho.
Porque el cine en España es una industria (no entremos en detalle de a qué nivel de subvenciones y de producción, lo es) y la mayor ventaja es que goza de un estado de complacencia y máxima comunicación con el público. Mejor aun, goza de varios tipos de público.
Y esto es lo que no le pasa, ni casi nadie ha promovido, con la danza contemporánea. Y ahora quizá haya llegado la vía.
Medios, hablad de eso.
 

II ÓXIFO FEST | Festival Multidisciplinar de Vallecas
I FORO INTERNACIONAL ÓXIDO FEST DANZA PARA PANTALLA (12/07/2015, Vallecas)
Intervinimos.: Katti Kallio (LOIKKA), Samuél Retortillo (FIVER), María Rogel (MILK&HONEY), Brisa MP (FIVC), Iker Gómez, Loránd János (CHOREOSCOPE).

Co-Dirección: Javier Mosquera de la Vega y Elías Aguirre.
Programación: Javier Mosquera de la Vega.
*

Un programador tiene que ir a ver danza a raudales; De creadores emergentes, veteranos; En este país, fuera; Tiene que pensar en su manera propia de ampliar el espectro cultural.
Hay que estar muy enamorado de la danza para dedicarse a ella. Y me refiero a la parte en la que no se baila, la que le ha costado mucho a la danza asumir que era esencial: producción, comunicación, difusión, programación, distribución. El interlocutor para decir "Esta pieza no se baila así". "Este bolo no se hace". Dignificar la danza.
Aquí tenéis un vídeo, estupendo, una de las mejores definiciones que he escuchado nunca de cómo un programador cumple bien su trabajo y en base a qué características reside su responsabilidad, de Catarina Saraiva, excelente comisaria y gestora. Que habla sobre la importancia de la mediación, concepto contemporáneo.
MOV'S: https://www.youtube.com/watch?v=l2o24ApivgQ


Continuando con las cosas buenas, con la luz...
Y, no teniendo nada que ver, tomándoselo apenas como una casualidad. Como algo que recuerda "Carretera perdida" (David Lynch) y ese misterioso cambio de personajes. Algo que ni siquiera ellos consiguen asimilar en la película...
Puede que no haya más MADRID EN DANZA, tras 12 años en los que Ana Cabo lo ha dirigido -y me sabe mal, realmente lo lamento-. Y empieza DANZA_MOS, un nuevo festival internacional dirigido y promovido por COREÓGRAFOS EN COMUNIDAD (colectivo al que sigo la pista desde su creación hace algo más de 2 años y cuya sede es el Conde Duque), con una programación en la que se darán cita: Mey-Lig Bisogno, Janet Novás, Jesús Rubio, Sharon Fridman, Camille Hanson, Manuél Rodríguez, BABIRUSA DANZA, etc. junto a otros nombres internacionales.
A ver si hablan de eso los artículos. De las cosas buenas y nuevas.
Porque de la Cifuentes, de este o de ese otro político, si se habla de danza, no hace falta. La danza ha sobrevivido sola.
Lo que ahora es muy importante, una de las cosas más urgentes en mi opinión, es el efecto de ese machaque, las heridas: la han vuelto huraña. Se ha convertido en una comunidad maltratada desarraigada y arrinconada por ella misma en la que hace falta recuperar los códigos morales y ayudar a que las aves fénix se recompongan y remonten el vuelo.
Eso sí, cuando esto ocurra, y va a ocurrir, que se preparen.
Va a llegar una etapa en la que la prudencia, la responsabilidad, la multidisciplinariedad, la continuidad, la contemporaneidad.... se unan y creemos una red los que la llevamos tiempo generando. Y a esa red asista gente, de todas las circunstancias y edades, y disfrute de la danza.

MADRID VA A BAILAR, aunque sea la tímida del baile.

Por cierto, yo, mi plataforma, mucha gente con la que colaboramos, pertenecemos a la cara alegre de la danza, estamos en ella porque aportamos cosas y ponemos a prueba nuestra capacidad de generar.

Hace un año llevé a cabo una experiencia como iniciativa propia, en mi fiel y firme compromiso como miembro del equipo de PASO A 2 responsable del CERTAMEN COREOGRÁFICO DE MADRID (y yo, de contenidos, comunicación y difusión), etapa que he decidido cerrar pienso que muy dignamente, con alegría, humor y una de las muchas estrategias que se pueden llevar a cabo, Con algo que la posicionó en un lugar mucho más accesible, fresco y contemporáneo de donde había estado antes: Una promo, una antipromo: #LDCNELQP ("LA DANZA CONTEMPORÁNEA NO ES LO QUE PARECE", que fue viral y gustó mucho, incluso tengo la buena sensación de que unió un poco a la Comunidad de la Danza. En ella se da voz al ciudadano de a pie y sus opiniones,

Os invito a verla:


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Conclusión:

Te pedimos, Paula, que si tienes interés y posibilidad, investigues y completes la información en un segunda artículo, muy necesario para la propia comunidad, para hacer cara al verdadero problema.
Y, por extensión, a todos los periodistas y profesionales de los medios, que ejerzáis la misma responsabilidad que con otros temas cuando habléis sobre danza.
Si no, me veré obligada, como también profesional de los medios, y específicamente de la danza, a dar el contrapunto y la réplica. Un ay otra vez. A hacer hincapié en la masa de hielo, si queréis hablar de la punta del iceberg; A más rigor y menos sensacionalismo; Y a más luz y menos tinieblas...

Muchas gracias.
 
Un saludo,
María Rogel, directora y programadora M&H|Plat
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MILK&HONEY (Plataforma de apoyo permanente a la investigación, producción y difusión de #SCREENDANCE, creación coreográfica y audiovisual).
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